05 (4) Pistas y pautas para el montaje • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


Pistas y pautas para el montaje

Existen algunas reglas o principios básicos, a tener en cuenta, para que el montaje de tu cortometraje sea lo más inteligible posible para el espectador; estas reglas nos sirven de pistas, pautas a modo de guía para ordenar todo el material que hemos grabado. Esto no quiere decir, que tengamos que seguirlas al pie de la letra, no. Uno puede optar por un montaje más experimental y saltarse precisamente cualquier convención. Pero, si no tenemos ni idea de cómo enfrentarnos a este proceso tan importante, es mejor obtener unos conocimientos fundamentales que nos ayudarán a la hora de decidirnos por un estilo u otro, ya que el montaje nos brinda numerosas posibilidades, y esto al principio nos puede bloquear.

Salto de eje

Cuando grabamos una conversación de dos personajes, debemos tomar las imágenes siempre desde el mismo lado del eje de la acción. ¿Por qué? Por la sencilla razón de que al espectador debemos darle información suficiente para que se haga una composición de lugar, sin alterarle el sentido lógico de la escena. Si montáramos imágenes de la conversación desde el otro lado, y las mezclamos podría parecer confuso… Y que un personaje a veces aparezca a la derecha de pantalla, otras a la izquierda… El plano contraplano, puede indicar puntos de vista contrarios si nos saltamos el eje. Conociendo este principio básico, evitaremos confundir al espectador respecto a la ubicación de los personajes.

Gradación a escala


Este principio, nos habla de montar los planos teniendo en cuenta el tamaño de los mismos, para no crear confusión evitaremos mostrar un plano general seguido de un primer plano, que no nos ubique un personaje dentro de un gran espacio. Y por lo tanto perdamos la referencia espacial del mismo. Generalmente, se deben emplear planos intermedios, si empleamos el sentido común es fácil aplicar este principio a escala. Esto no quiere decir, que intencionadamente el director, o montador no pueda romper precisamente esta regla; pasando de un plano detalle a uno general.

Los 90º

Aquí también aplicamos la lógica; si tenemos dos planos de la misma escala, por ejemplo un primer plano seguido de otro igual, al menos el eje de tiro de cámara debería tener una diferencia de 90º para que no parezca un corte o un defecto de montaje.


¿QUÉ TRANSICIONES EMPLEAMOS ENTRE PLANO Y PLANO?

Las transiciones más empleadas, y que vamos a comentar son: al corte, fundido o fundido encadenado. Esto no quiere decir que sean las únicas, precisamente los programas de edición tiene numerosas posibilidades, cortinillas, y encadenados varios pasando por desenfoques, y con movimientos laterales de izquierda a derecha, o al inverso.
  • Al corte. Un plano sigue a otro limpiamente. Nos sugiere continuidad, y debemos respetar el raccord. Entre corte y corte, los planos deben ser lo suficientemente distintos para evitar que parezca la misma escena.
  • Fundido. A negro, o a cualquier otro color. La imagen se desvanece poco a poco, y nos vamos a un color –el más empleado es el negro- marcando un cambio de tiempo o lugar en la acción.
  • Fundido encadenado. Un plano se desvanece fundiéndose con el otro. Nos marca también paso del tiempo, y se suele emplear en momentos determinados, jugando con planos de igual escala por ejemplo; pero con detalles diferentes que el director intencionadamente quiere expresar.

Propuesta Didáctica:
- Elegir cinco cortometrajes y hacer un visionado.
- Analizar por grupos el montaje desde el punto de vista de TRANSICIONES, y los PRINCIPIOS BÁSICOS comentados.
- Anotar todo aquello que rompe con un principio, o va en contra de la norma general.
- Luego analizar el por qué el autor ha tomado ciertas decisiones, teniendo en cuenta; el estilo, la intención, el resultado.

© Eva Pallarés 2011

05 (3) EL MONTAJE • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


EL MONTAJE

Una vez finalizado el rodaje, comenzamos la fase de postproducción; uno de los procesos más importantes es el montaje. En la sala de edición, el montador ordena los planos que compondrán las secuencias, siguiendo el orden del guión para contar la historia. No estará solo, el director supervisará y tomará las decisiones oportunas en cada momento, siempre atento a las sugerencias del especialista. En muchas ocasiones, el mismo director monta la pieza audiovisual. Debemos tener en cuenta que en el montaje, se puede “reescribir” la historia, matizar la interpretación de los actores, acelerar el ritmo…

Hoy día, la técnica se ha simplificado con la era digital, los programas FINAL CUT o AVID sirven para editar, corregir el color, editar el sonido…etc. Antiguamente se empleaba la moviola, se cortaba y pegaba la película fotograma a fotograma.

La narrativa cinematográfica

LEV KULECHOV
(1899- 1970), el “efecto Kulechov” debe su nombre a este pionero cineasta de la escuela rusa; consistió en montar un primer plano de Iván Mosjovkin (actor ruso bastante conocido en aquel momento), ante tres imágenes distintas (un plato de sopa, una niña muerta y una bella mujer).
Luego preguntó a los alumnos, qué sensaciones transmitía en cada momento la expresión del rostro; curiosamente en cada caso se respondieron distintas emociones: como hambre, pena y deseo, aún siendo en cada caso la misma imagen del actor, exactamente el mismo plano con una expresión neutra. Por lo tanto, se demostró primero: que según la combinación de los diferentes planos cobraba mayor importancia que el contenido propio de los mismos. Y segundo: el público asociaba en el mismo escenario la secuencia, independientemente que se hubieran rodado en lugares distintos. De ahí sacó Kuleschov su teoría de la magia del cine y de la capacidad del público de ser engañado.

Diferentes tipos de montaje

Montaje narrativo:
Se cuentan los hechos, cronológicamente o con saltos en el tiempo al pasado, o futuro.
Montaje expresivo:
Cuando se marca en las acciones el ritmo, o se emplea la lentitud para el suspense…
Montaje ideológico:
Cuando se utilizan las emociones, a través de gestos, imágenes, símbolos.
Montaje creativo: No se sigue una cronología como recurso cinematográfico, se ordenan los planos sin la necesidad de seguir el orden impuesto por el guión; se reinterpreta la historia libremente.
Montaje poético: Se busca un efecto poético, jugando con la estructura de las secuencias, llamando la atención del espectador y provocándole sensaciones más allá de lo racional.


PROPUESTA DIDÁCTICA
  • Crear grupos de 3-5 alumnos.
  • Los diferentes grupos deberán buscar y seleccionar cinco cortometrajes de diferente tipo de montaje.
  • Luego hacer un visionado clasificando los cortometrajes según su montaje.
  • Analizar los recursos empleados por el montador en cada caso.

© Eva Pallarés 2011

05 EL RODAJE (II): Sonido, graba… ¡acción! • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


Sonido, graba… ¡acción!


Ventajas e inconvenientes de rodar en un exterior:

Luz natural. Nos facilita el poder grabar sin necesidad de alquilar un equipo de iluminación
; pero debemos tener en cuenta el parte meteorológico, y hacernos con un par de sticos para evitar que el sol entre en plano, o favorecer el reflejo si fuera necesario. Son planchas de porespan y salen a muy bien precio.

Rodando en exterior, debemos tener en cuenta varias complicaciones a la hora de grabar sonido directo, desde el viento, tráfico, aviones, etc.
Para ello es conveniente, visitar con anterioridad la localización y hacer alguna prueba. También, nos obliga a alquilar un equipo de sonido directo, y contar con algún especialista. No pasemos por alto algo tan importante, sobre todo si nuestro guión tiene mucho diálogo.

Para rodar en exteriores, es mejor consultar el parte meteorológico, y tener un set de cover (en un interior) preparado en caso de lluvia.

A la hora de planificar, no deberíamos juntar escenas de noche con escenas de día en una misma jornada, es mejor aprovechar la tarde unida a la noche, para hacer el cambio de iluminación durante el descanso para cenar.

Las jornadas nocturnas deberían ser de menos horas que las diurnas, para no agotar al personal
, ya que se hace mucho más duro por el propio ritmo biológico.

Importante pedir permisos si fuera necesario al ayuntamiento, para evitar multas o que nos obliguen a detener el rodaje.


Ventajas e inconveniente de rodar en un interior:

Para rodar en un interior, si no tenemos presupuesto suficiente para alquilar un buen equipo de iluminación, nos veremos obligados a escoger un espacio con grandes ventanales exteriores, para aprovechar al máximo la luz natural. Siempre será más fácil, rebajar la luz (bajando persianas, con mantas…etc.) que subirla cuando se pone el sol.

Una de las ventajas es que estamos a salvo de lluvia, nieve, o viento. Recoger el sonido directo es más sencillo, y limpio si todo el equipo guarda silencio. Al poder localizar en un lugar privado, no evitamos el tedioso trabajo administrativo y burocrático. Normalmente en producciones de bajo coste, el equipo de producción está limitado muy pocas personas, todo lo que podamos simplificar será lo más acertado, sin sobre carga para el personal. Para colaborar con el equipo de arte, es recomendable buscar un interior con la decoración lo más parecida posible al guión; que cumpla las expectativas que busca el director, sin muchos cambios. Además, de esta forma nos garantizamos que algún amigo/a nos preste su apartamento, sin riesgos de algún desperfecto. Luego, todo el equipo deberá dejar el lugar en las mismas condiciones que se encontraba antes de rodar.


Un catering a buen precio

En un catering no pueden faltar los termos de café, leche, y bebidas como agua, zumos, refrescos, etc. En cuanto a los alimentos, una fuente de frutas fáciles de comer, tipo manzanas, peras, plátanos. Luego dulces variados, como galletas, o chocolate. Pan de molde y sándwiches, para que puedan hacerse bocadillos sobre la marcha. En los cortometrajes un catering casero para la comida y cena, algo caliente siempre es conveniente. Es importante cuidar a todas las personas que colaboran en nuestro proyecto, dedicando tiempo y esfuerzo. Cada día, debemos prever cuantas personas deberemos alimentar, para calcular la cantidad de bebidas y alimentos.


A la hora de grabar

Cuando los actores ya están listos después de pasar por maquillaje, vestuario y peluquería; ensayan con el director, y con el equipo técnico. Cuando todo está preparado se repite un “protocolo” de máxima concentración y silencio: se canta la claqueta, sonido y el operador de cámara confirman que todo está listo, el ayudante de dirección comprueba que los actores están en “primera” posición y en situación, para decir “acción”: es entonces cuando se procede a grabar el plano; solo el director decide “corten” cuando cree que ya tiene el material. Si la toma ha sido buena (para todos, equipo de fotografía, sonido, interpretación), se prepara el siguiente plano; el director decide si quiere volver a grabar después de dar las indicaciones oportunas.


Propuesta didáctica
  • Visionado de un cortometraje, rodado con pocos medios, y otro con mayor producción.
  • Analizar y comparar: DECORADOS, ILUMINACIÓN, LOCALIZACIÓN, SONIDO. Con los criterios y conocimientos que ya tenemos en cuanto a producción, y planificación.

© Eva Pallarés 2011

05 EL RODAJE (I): ¡Silencio, se rueda! • Pautas y pistas en la creación de un cortometraje


¡Silencio, se rueda!

¿Cómo afrontamos una jornada de rodaje? ¿Qué pasos, orden y rutina se debe seguir para cumplir un plan de trabajo? Como ya hemos visto en la preproducción, una de las claves es planificar el rodaje. Las secuencias se rodarán ordenadas según las necesidades, facilitando la producción y la iluminación. Es por ello que se romperá el orden cronológico que siguen en el guión: los actores van a precisar del “apoyo” del director en todo momento para concentrarse en la acción que corresponde, dónde se sitúa el personaje, en qué momento emocional se encuentra, etc. Pensemos que es frecuente que el actor ruede primero el final de una secuencia, por ejemplo, en una discusión de dos personajes, puede que el primer plano que se ruede sea el final, el momento en el que uno de los dos sale de la habitación.

Primero se agrupan por localizaciones, una vez seleccionado el lugar, se desglosan las escenas mediante los sets. Por ejemplo, si vamos a rodar en un apartamento, dentro del mismo podemos encontrarnos con diferentes escenarios: cocina, salón, y dormitorio… El equipo de arte tendría listo cada set en función del orden de rodaje que figure en el plan. Todo el equipo se desplazaría ese día a rodar en el apartamento y luego en su interior, siguiendo el orden de sets ya establecido.

Es importante tener en cuenta los siguientes factores que van a determinar las decisiones de planificación y tiempos, según localización y luz:

- Interior/exterior.
- Noche/día.


El número y disponibilidad de actores que intervienen en cada secuencia es también prioritario a la hora de decidir el orden dentro del plan de rodaje.
Finalmente, deben calcularse los tiempos estimados para iluminar y grabar, incluyendo ensayos de cámara, de actores, y maquinaria como travellings, grúas, etc.

El día de rodaje, cada equipo se presenta según la citación. Auxiliares de dirección se encargarían de recoger actores. Una vez en la localización, pasan por maquillaje/peluquería y vestuario, mientras que en el set de rodaje se van ultimando los preparativos, como son posición de cámara, iluminación…

El ayudante de dirección medirá los tiempos, y se asegurará que tanto el reparto como el equipo de fotografía, y sonido están listos para ensayos, y marcas.
Durante los ensayos técnicos, el director hablará con los actores para marcarles las acciones, que a continuación repetirán para fijar las posiciones de marca, y así el actor pueda hacer suyos los movimientos. También se aprovecha para “pasar” texto, este momento es muy importante para que los actores ganen confianza momentos antes de grabar. Debería respetarse el silencio lo máximo posible. El director de fotografía con su ayudante, memorizan también las acciones y señalan la posición de cámara, miden las distancias, y ensayan con sonido el movimiento de pértiga para que no entre en cuadro. Sonido debe aprenderse los diálogos, para saber en cada momento dónde debe recogerse el audio. Una vez hecho el “teatrillo”, los actores pasan a retoques de maquillaje definitivos.

Por regla general, todas estas acciones se repiten en todos los rodajes. Son rutinas que hacen que el ritmo de trabajo sea constante, y facilita el trabajo colectivo, la coordinación y producción de un audiovisual, ya sea un cortometraje, largometraje o clip musical.

Propuesta didáctica por equipos:
  • Grabar una escena de dos personajes (dentro de un instituto, localizando un interior)
  • Planificarla según las necesidades, y ensayando con el equipo de cámara, sonido y actores.
  • Luego, comprobar con el plan de rodaje si se han cumplido los tiempos, y qué dificultades nos hemos encontrado.
  • Crear coloquio posterior, donde cada equipo comentará su experiencia.
© Eva Pallarés 2011